A rainha que ainda tem o que fazer.

Cláudia Alencar tem dois projetos de teatro em busca de patrocínio. O primeiro nasce de seus próprios poemas e diários — seis livros publicados e cadernos que ela preenche desde os treze anos. O segundo se chama Camaradas, de Aloísio Villar, e se constrói a partir do encontro fortuito, numa noite de Natal, entre três torturados e seu torturador.

Ela mesma foi presa e torturada em 1973, aos 22 anos, por sua militância no teatro político contra a ditadura. Esse dado não cabe como nota. É a matéria de que a atriz é feita — e ajuda a entender por que, mais de cinquenta anos depois, ainda escolhe projetos que exigem o corpo inteiro.

Os dois projetos nascem do mesmo ponto e seguem por caminhos distintos. O autobiográfico — poemas, diários, uma vida inteira convertida em dramaturgia — leva a intimidade até o limite em que ela deixa de ser privada. Camaradas se fixa no encontro entre quem sofreu e quem praticou a violência. O que interessa não é o episódio em si, mas o que permanece depois dele. O tempo entra como agente — e também como falha.

Que seja Cláudia Alencar a querer levá-la ao palco não surpreende. Só faz sentido.

Com quase cinco décadas de carreira na televisão, no teatro e no cinema — estreou na TV Tupi em 1976 —, ela pertence a uma geração formada antes que o mercado cultural brasileiro se fragmentasse em plataformas e nichos; uma geração que aprendeu a sustentar presença. Percebe-se na forma como se impõe em cena e no tipo de material que escolhe enfrentar.

“Carreira é sempre construção. Como o amor. E, justamente por isso, pode se tornar permanência.”
“O que me move é a arte: criar, inventar, imaginar, fazer, comunicar.”
Um impulso que atravessa décadas, prêmios, silêncios e reconhecimentos tardios.

O QUE VEM POR AÍ

Os dois projetos seguem em busca de realização — e é ali que o tempo da atriz se define: no que ainda precisa ser feito.

O autobiográfico tensiona memória e forma. Camaradas avança para uma zona mais difícil, onde experiência e representação se cruzam sem garantia de resolução. Em ambos, o interesse recai menos sobre o acontecimento e mais sobre o que ele deixa.

É a partir desse ponto que o reconhecimento internacional se torna legível.

Em novembro passado, no NZ WebFest, em Auckland, Cláudia Alencar recebeu o prêmio de Melhor Performance por Queen Lear, dividindo a distinção com outras duas atuações internacionais.

Na série, inspirada em Shakespeare e situada no Rio de Janeiro contemporâneo, interpreta uma matriarca cuja autoridade cede sob pressão. O papel exige precisão e presença contínua — um tipo de trabalho que se acumula ao longo do tempo.

“Esse prêmio valida uma trajetória de 50 anos de carreira — e, de certa forma, valida também a arte brasileira, através do olhar do diretor Quentin Lewis.”
É nesse ponto que uma formulação direta ganha peso:

“Shakespeare é contemporâneo.”
A frase deixa de ser constatação e passa a operar como chave. O contemporâneo não coincide com o recente. Se define pelo que ainda pergunta.

O reconhecimento externo não altera o percurso. Torna-o visível em outra escala.

O prêmio em Auckland não encerra o movimento.
Expõe.

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🇺🇸Inglês:

The queen who still has work to do

Cláudia Alencar is seeking sponsorship for two theater projects — one autobiographical, one about torture — as the world begins to recognize what Brazil has long known.

Cláudia Alencar has two theater projects in search of sponsorship. The first emerges from her own poems and diaries — six published books and notebooks she has kept since the age of thirteen. The second is Camaradas, by Aloísio Villar, and is built around a chance encounter, on Christmas Eve, between three survivors of torture and the man who tortured them.

She herself was arrested and tortured in 1973, at twenty-two, for her involvement in political theater against the dictatorship. That fact does not belong in a footnote. It is part of the material from which the actress is made — and helps explain why, more than fifty years later, she continues to choose work that demands the whole body.

The two projects emerge from the same point and move in different directions. The autobiographical work takes intimacy to the threshold where it ceases to be private. Camaradas centers on the encounter between those who endured violence and the one who enacted it. What matters is not the event itself, but what remains. Time enters as an agent — and as a limit.

That it is Cláudia Alencar who brings this to the stage follows naturally.

With nearly five decades across television, theater, and film — she made her debut on TV Tupi in 1976 — she belongs to a generation formed before Brazil's cultural industry fragmented into platforms and niches; a generation that learned to sustain presence. This is visible in how she holds the frame and in the material she chooses to engage.

“Career is always construction. Like love. And that is precisely why it can become permanence.”
“What moves me is art: to create, to invent, to imagine, to do, to communicate.”
An impulse that has crossed decades, awards, silences, and delayed recognition.

WHAT COMES NEXT

Both projects are now moving toward realization — and this is where her time is defined: in what still needs to be done.

The autobiographical work strains memory through form. Camaradas moves into more difficult ground, where experience and representation intersect without resolution. In both, the focus rests less on the event than on its residue.

From this point, international recognition becomes legible.

Last November, at NZ WebFest in Auckland, Cláudia Alencar received the Best Performance award for Queen Lear, sharing the distinction with two other international performances.

In the series, inspired by Shakespeare and set in contemporary Rio de Janeiro, she plays a matriarch whose authority erodes under pressure. The role demands precision and sustained presence — the kind of work that accumulates over time.

“This award validates a fifty-year trajectory — and, in a way, it also validates Brazilian art, through the vision of director Quentin Lewis.”
At this point, a direct statement gains weight:

“Shakespeare is contemporary.”
It shifts from observation to framework. The contemporary no longer aligns with what is recent. It is defined by what still asks.

External recognition does not alter the path. It renders it visible at another scale.

The prize in Auckland does not conclude the movement.
It reveals it.